El renacer de joyas pasadas.


Collar con colgante de esmeralda
y perlas naturales 
Las joyas del siglo XIX consistieron predominantemente en adaptaciones de estilos de joyería de épocas anteriores. Esto ocurre, de volver al pasado en el diseño de la joyería por la falta de inspiración. Visto y analizado, ahora sabemos que este retorno al pasado nació de un deseo por   renovar los sentimientos del orgullo nacional. Estas joyas reflejaban períodos de logros nacionales y propios que simbolizaban todo lo que fue grande en la historia de la civilización europea. Nacieron dos estilos importantes; el Renacimiento gótico (o medieval) y el renacimiento del mismo renacimiento.

En toda Europa las fiestas de disfraces se habían convertido en una forma popular de entretenimiento, y no se ahorraba en nada para estos eventos suntuosos. Los trajes fueron copiados meticulosamente de los retratos históricos relevantes y las piezas de joyería también además de todo tipo de accesorios. Una gran cantidad de retratos de los Tudor y del período de los Stuardos fueron exhibidos en el museo de Kensington del sur, lo que inspiró a los joyeros que trabajaban en los estilos del renacimiento. Algunas de estas joyas volvieron a adquirir una popularidad propia. La ferronnière por ejemplo, moda histórica arrancada del pasado y llevada audazmente por unos 20 años mas en el futuro.

Joyas del artista alemán Hans Holbein el más joven (1497 – 1543), que incluyen joyas como colgantes, broches y pendientes en el estilo renacentista. El estilo se caracteriza por las grandes piedras colocadas en el centro , un camafeo o un intaglio montado en oro más un colorido esmalte, como la basse-taille (diseño realizado en metal mediante talla, grabado , estampado) , champlevé (es un proceso de esmalte donde la superficie a esmaltar es tallada, grabada, estampada o grabada con un diseño previo al esmaltado) , cloisonné (es una técnica de esmalte donde el esmalte va encerrado en celdillas de alambre fino). Todas estas técnicas del pasado fueron re inspiradas en nuevas obras como la técnica llamada
Holbeinesque.

Holbeinesque, pulsera gótica de hierro, del artista Geiss.
El orgullo nacional en muchos países europeos estimuló un movimiento romántico que invadió a toda Europa. El retorno de los motivos góticos en todas las áreas del diseño apareció en todas partes, trayendo consigo una nostalgia por la estética de la Edad Media y el Renacimiento. Cada país acogió esta nostalgia por diferentes razones. En Alemania el retorno al estilo gótico fue utilizado para unificar a sus ciudadanos contra un enemigo común que era Francia. Durante la guerra franco-prusiana la joyería del hierro fue distribuida a los patriotas que entregaban sus joyas de oro para ayudar a los fondos de guerra. Esta aplicación del hierro en la post guerra en sus diseños góticos, ahora es conocida como la antigua joyería del hierro de Berlín.

Los diseños góticos siguieron siendo dominantes en Alemania, pero una mirada al renacimiento también comenzó a aparecer alrededor del año 1850,  moda que fue ganando lentamente popularidad.

Alemania era conocida por sus fuertes gremios artesanales donde estudiaban aprendices para convertirse en orfebres. Comúnmente como obra maestra de la graduación, para completar el aprendizaje y convertirse en un orfebre completo debían copiar algún trabajo de algún joyero del  Renacimiento, y además servía para impulsar la estética a futuro.

Mercurio, colgante tipo camafeo, estilo
renacentista con esmalte y perlas,
 artista Froment-Meurice 1870.
La moda para la joyería gótica en Francia, fue fijada por la corte. La arquitectura gótica, fue restaurada a lo largo de París en ese entonces, y era el modelo para la joyería gótica a la que se le  refería como “romantique”. En 1830 el Museo de Louvre, estaba en posesión de importantes colecciones de objetos medievales y en 1844 se inauguró el Museo de Cluny, conocido también como "el mayor monumento a la Edad Media". Estos modelos exhibidos, proporcionaron todos los modelos que se necesitaban para rehacer el estilo gótico tan popular. Además, el régimen de Napoleón III, durante el Segundo Imperio se basó fuertemente en el Renacimiento como símbolo de la gloria pasada de Francia. El esmalte pintado, evocaba el estilo Fontainebleu de Enrique II.

Los escultores también desempeñaron un papel importante en el diseño de la joyería francesa del siglo XIX. Contribuyeron con modelos y diseños figurativos esculturales tridimensionales. Uno de los principales joyeros de esta tradición fue François-Désiré Froment-Meurice. Empleando escultores, modeladores, esmaltadores, orfebres y otros en su tienda, lo que lo llevó a hacer joyas románticas de estilo sin precedentes. Su trabajo en la Exposición Universal, celebrada en 1851 en Londres, le valió una Medalla del Concilio por sus patinados dibujos figurativos franceses de plata histórica.

Holbeinesque Victoriano




En los años 1870 y 1880 una serie de diseños de joyas del siglo XVI y grabados ornamentales fueron reeditados, proporcionando una inspiración para las joyas neo-renacentistas francesas. Desde la década de 1860 hubo un resurgimiento de las técnicas de esmalte pintado. Los esmaltes de colores brillantes comenzaron a utilizarse por capas creando un aspecto único a este estilo romántico.



Broche Holbeinesque con intaglio,
esmeraldas y esmalte en oro


En la Gran Bretaña la joyería gótica fue rehecha directamente desde álbumes de tracería gótica (formada por combinaciones de figuras geométricas). Esto estaba en posesión de los joyeros prominentes, Rundell, Bridge & Rundell. Gran Bretaña, sin embargo, nunca adoptó el estilo gótico como un estilo nacional. La joyería gótica del renacimiento vino vinculada tentativamente al catolicismo y era por lo tanto resistente a ser abrumadoramente usada. Más populares eran los diseños evocadores del estilo del renacimiento o de los Tudor.



El artista Holbein, reivindicado tanto por los alemanes como por los británicos, fue una inspiración en la joyería alemana alt-deutsch producida y anunciada como "Holbein Schmucksachen".

Devonshire parure,
consta de ochenta y ocho gemas antiguas
de la colección del duque de Devonshire,
la obra se le atrubuye a Hancock 1855



En ese tiempo Alemania era conocida por sus fuertes gremios artesanales donde aprendices entrenados para convertirse en orfebres. Comúnmente una obra maestra de graduación se requiría, y para completar el aprendizaje y convertirse en un orfebre completo debían copiar un trabajo de los joyeros del Renacimiento, esto también sirvió para impulsar la estética de esta etapa en delante.

En 1856 se le encargó a la Condesa de Granville, una importante colección de joyas para que la llevase mientras acompañaba a su marido, el Embajador Extraordinario y representante de la Reina Victoria, en la coronación del Zar Alejandro II en Moscú. Esta colección se conoce como "Devonshire Parure" y se compone de siete adornos que incluyen una corona, diadema , bandeau (Un bandeau es una diadema ornamental o un tipo de tiara) , peine , collar , stomacher (Un stomacher es un gran ornamento de corpiño triangular que se extiende desde el nivel del pecho hasta la cintura) y pulsera que fueron creados de oro esmaltado y diseñado para explotar una colección de ochenta y ocho camafeos y Intaglios de la colección del tercer duque de Devonshire. El parure se cree que es la primera pieza hecha en el estilo Holbeinesque. Después de lograr su propósito primario, el parure fue exhibido a través de toda Inglaterra, terminando en la exposición internacional de 1872. Todavía existe en su totalidad y se exhibe en la casa recientemente renovada de Chatsworth, hogar del duque y de la duquesa de Devonshire.

Obra de Giuliano, collar con esmalte granate,
y perlas naturales, 1870
John Brogden y Carlo Giuliano fueron dos de los joyeros más prominentes que trabajaron  en el estilo Holbeinesque y sus joyas se pueden encontrar en las firmas destacadas de Howell y James, Harry Emanuel y Phillips y Hancock. Las joyas de figuras francesas fueron otra fuente de inspiración. No fue hasta las Exposiciones Internacionales que este renacimiento de las joyas de renacimiento gótico fue ampliamente visto por el público, y posiblemente incluso por otros joyeros. Los catálogos ilustrados se convirtieron en libros de modelos, útiles como referencia e inspiración de diseño. El museo de South Kensington compró regularmente artículos de joyería de diversos proveedores, entre ellos François-Désiré Froment-Meurice que trabajaron en el estilo renacentista francés y los puso en exhibición al público. El museo hizo varias adquisiciones en la Exposición de París de 1855 que sin duda sirvió de inspiración a todos los que la visitaron.


A finales de la década de 1880, y para disgusto de los alemanes, las joyas renacimiento ya no son comercializables. Las modas habían cambiado y estas pesadas joyas ya no funcionaban estilísticamente. En Inglaterra la joyería con el estilo del renacimiento siguió siendo hecha, principalmente por Giuliano en el año 1890. En Francia el estilo comenzó a transformarse en el precursor del Art Nouveau en la parte posterior de la década de 1880.

Pulsera renacentista de plata y esmalte




Escrito por: Alejandro Glade R.







La ciudad de Micenas, la ciudad del oro.


Ágora de Atenas
Tumba de Atreo
Micenas fue llamada por Homero como “La ciudad en donde abunda el oro”. Hojas de oro hechas dentro de su ciudad amurallada constituyen, incluso en nuestros días, tesoros de una extraordinaria belleza y riqueza. Las tumbas situadas bajo el Agora Ateniense (centro de la actividad política, administrativa, comercial y social de la antigua Atenas), contenían cuerpos casi enteramente revestidos de oro en láminas o planchas, como también rodeados de joyas. Sobre sus rostros, les eran puestas máscaras repujadas, con los rasgos del difunto; las frentes iban ceñidas por coronas, y el resto de los cuerpos desaparecía bajo las corazas, el enjoya-miento y los ornamentos. 

Normalmente estos objetos eran de confección tosca y de poca depuración,  pero las piezas de joyería encontradas en el tesoro de la tumba de Atreo, que estaba compuesto por millares de vasos, diademas, pulseras, collares, y aros eran piezas trabajadas con asombrosa dedicación y arte. La tumba de Atreo, es una construcción descubierta por el arqueólogo alemán Schliemann a finales del XIX, mal atribuida al rey Atreo, hoy, sabemos que fue construida en torno al 1250-1220 a. C. durante el periodo del rey Agamenón.

330 - 300 a. C.

200 a.C.

Es  muy posible suponer que todas estas piezas y objetos de arte se remontaran a los tiempos homéricos de la guerra de Troya, mientras que los cubiletes de oro (vaso pequeño de metal, más ancho en su boca que en su base, que servía para diversos propósitos) encontrados en Vaphio (Laconia) seguramente son posteriores. Los bajorrelieves que los decoran muestran en ellos la captura de toros salvajes, y en otros el desuello. Son obras de un arte considerado perfecto, desde el punto de vista de la observación y de la composición con respecto a la escultura y a la orfebrería.

300 - 200 a.C.






Las piezas de orfebrería de esa gran época llegada hasta nosotros son extremadamente raras, ha sido muy difícil por sus descubridores y arqueólogos  saber cuáles fueron realizadas en Roma por los griegos, ya que la influencia de este arte está manifiesta en casi todas las piezas. Pensado de esta manera, se puede atribuir a este arte orfebrístico, a la colosal estatua de Atenea que Fidias (450-400 a.C.) ejecutó para el Partenón. La diosa, de unos doce metros de estatura estaba de pie, con casco, una lanza y un escudo en la mano izquierda, y en la derecha llevaba una pequeña victoria con una corona en una mano. Las carnes eran de marfil, los ojos de piedras preciosas, los ropajes y las armas de plata y de oro de diferentes colores.

Estatua de Atenea de Fidias







Descripción de la estatua por el historiador y geógrafo antiguo Pausanias: ...La estatua en sí está hecha de marfil y oro. En el centro de su casco hay una figura parecida a la Esfinge... y a cada lado del yelmo hay grifos en relieve. ... La estatua de Atenea es de pie, con una túnica hasta los pies, y sobre su pecho la cabeza de Medusa está tallada en marfil. Sostiene una Victoria de aproximadamente cuatro codos y en la otra mano una lanza; a sus pies yace un escudo y cerca de la lanza hay una serpiente. Esta serpiente podría ser Erictonio (hijo de Hefesto). Sobre el pedestal está el nacimiento de Pandora (mujer hecha por Hefesto) en relieve.

200 a.C.




El aspecto general de la diosa Atenea de Fidias, puede verse a partir de su imagen en monedas​ y sus reproducciones en miniaturas esculpidas, como objetos votivos, y en las representaciones sobre gemas grabadas. ​





Escrito por: Alejandro Glade R.




Anillos de Poesía.

"Bien para quien sabe en quién puede confiar"
Los anillos de Poesía o Posy, fueron populares durante los siglos XV al XVII en Inglaterra y Francia, pero tuvieron su cúspide durante el siglo XVII y XVIII, transformándose en un anillo tipo argolla de oro, de diseño muy simple y otros no tanto, por lo general estos anillos o argollas estaban interna o externamente rodeados con grabados de versos, y  poesías como "No olvido quien me ama" o "Una esposa amorosa una vida feliz". Estos fueron dados como expresiones de amor, saludos y otros sentimientos. 

"Lealtad no miedo" siglo XVII
Anillos Posy, tempranamente escritos en francés normando, simple francés, el latín y el inglés fueron usados ​​en épocas posteriores.

Anillos Posy
Estos temas, conocidos como Posy o pequeños poemas, eran por lo general en francés, durante siglos el lenguaje universal del amor fue el francés, en un principio eran en escritura lombarda marcadas en letras negras hasta el siglo XV. Otros ejemplos de anillos de Poesía decían así: “Tienes mi corazón”;  “Mi corazón te pertenece”; “La fortuna lo desea”; “Nada tan bueno”; y  “Lleve esto para mí”. Las palabras, estaban grabadas en algunos casos por el exterior de la argolla y se decía eran un jardín de amor, porque algunas veces se entremezclaban con hojas esmaltadas, pensamientos, o rosas calentadas por los rayos del sol. Mientras que la mayoría de los anillos se ajustaban a patrones estándares y se repetían las mismas inscripciones, de vez en cuando se puede encontrar algún diseño que sobrevive.

"Mira pero recuerda "   Siglo XVII a XVIII.
Se cree que estos anillos Posy  o de poesía estaban destinados a aquellas personas más cultas que conocían la literatura de la época, y que no sólo podían leer las escrituras en letras lombardas y negras, sino que también sabían francés.

Anillo Poesía con trabajo especial 

"Tu vista es mi delicia"


Fueron dados para mostrar respeto o como un regalo. Pero también se acostumbraba como símbolos del amor durante el siglo XV, y se convirtieron en alianzas o anillos de matrimonio o de boda de oro, durante los siglos XVII y XVIII, los antiguos joyeros y orfebres los fabricaban en gran cantidad para clientes que buscaban la opción Posy y lo romántico como la poesía.




Escrito por: Alejandro Glade R.



¿Sabe usted que es un Parure?


Un Parure, es una palabra francesa que consiste en una combinación de un juego de collar, aros, broche, pulsera  y los más completos llevaban una diadema o tiara. Una variación de estos juegos de joyas era el demiparure que consistía en algunas partes del juego, tales como aros collar o un broche. Por lo general, un “Parure” podía contener sólo tres piezas, el collar, aros, y una pulsera o broche o una combinación de ellos. Los más completos que se pusieron a la venta  en tiempos pasados, eran juegos que contenían hasta siete piezas.


Las pulseras eran curiosas porque se podían llevar de a pares, y ambas eran iguales, se llevaban una en cada muñeca, y cuando era necesario se podían juntar formar un collar, que pasaba a ser una gargantilla usable, esto hacía que fueran piezas prácticas de joyería. La intercambiabilidad de los componentes eran importantes en un Parure.


Los “Parures” se hicieron populares en el siglo XVII en Europa, el aumento de la popularidad en el siglo XVIII se debió a los muchos regalos que hizo Napoleón a Josefina y a Marie-Louise. Uno de estos famosos parures de zafiros y diamantes que Napoleón dio a Josephine está en el museo de Louvre en Paris.


Más recientemente, el antiguo término demi-parure se ha popularizado en los círculos de joyería con trajes vintage, los que incluyen un collar con aros como juego de estos trajes.

Para entender mejor el término Parure y por qué fueron tan importantes para las mujeres de antaño.


Contiene cuatro piezas; El collar, los aros y el broche como colgante a juego. Foto de la derecha, parure de granates.

Lo bueno de este conjunto es que todos los enlaces del collar son ligeramente diferentes unos de
otros.
Detalle de collar,
 Parure de granate,
(pinche para ampliar)


Se ajusta al aspecto "intercambiable" porque el colgante puede ser unido a la parte central del collar; Usado como un colgante central en una cadena, o también puede ser llevado como broche.









Aros
Broche

Los parures las mujeres que tenían las mujeres hicieron aumentar la joyería de la época. Todos estos conjuntos eran el pilar básico de los armarios de una dama. Estos estaban destinados a ser usados ​​juntos para ocasiones formales o como piezas separadas. También podían ser usados ​​en tantas combinaciones como las piezas lo permitieran. El ingenio de los joyeros que los fabricaban era asombroso, soluciones exquisitas y envidiables hasta el día de hoy  ¡En otras palabras, un solo parure podía vestir y adornar por completo a una dama!


¿De cuántas maneras diferentes se podían usar las piezas en un parure? Lo máximo fueron  41 maneras diferentes!  Por eso se decía que era el pilar básico en los armarios de las damas!

Parure de Reina Desideria Clary - (1777 - 1860)

Presentación en su caja de Parure.
(Arriba) - Parure de oro de Reina Desideria Clary, reina consorte de Suecia y Noruega. 

Descripción de los camafeos del collar de malaquita tallada, representan a Asclepius (dios de la medicina) ya Hygeia (su hija, diosa de la salud), Hércules (héroe griego antiguo) y Hebe (hija de Zeus y Hera que se convierte en la esposa de Hércules). El cameo central de la tiara simboliza el día, mientras que la piedra central del broche representa la noche, y así sucesivamente.



Parure de Zafiro, de la reina
María Amelia 



María Amelia de Borbón, 1842. Reina consorte de Luis Felipe, Rey de los franceses.










Escrito por: Alejandro Glade R.






Joyas germánicas

Fíbulas germánicas de oro y piedras
Durante el período de las invasiones bárbaras o migraciones germánicas, período situado entre el siglo III y el siglo VII d.C., afectó extensas regiones de la zona templada de Eurasia, y que acabó provocando la caída o desestabilización de grandes imperios consolidados como el imperio romano, el imperio sasánida(persa), el imperio Gupta (India) o el imperio Han. Al final las tribus germánicas habían ocupado toda Europa y se establecieron allí. Los ostrogodos, los visigodos, los vándalos, los ángulos, los sajones, los francos, los lombardos y muchas otras tribus habían estado viviendo en los lados orientales de los ríos Rhin y Danubio, estuvieron bajo la influencia de los últimos romanos durante bastante tiempo. Esto se reflejó en sus joyas, por su estilo técnico y decorativo pero no fueron muy diferentes de los orfebres romanos tardíos.

Broche de disco, siglo 6

Existe un buen conocimiento sobre las joyas usadas por estas tribus desde que enterraron a sus muertos con sus joyas. La difusión del cristianismo cambió estos rituales, y así es que desde el siglo 7 y 8 tenemos que confiar en otras fuentes como los inventarios de los monasterios y testamentos junto a raros hallazgos.

Materiales
Hasta el siglo VIII las monedas de oro del Imperio Bizantino proporcionaron a los orfebres germánicos el material de trabajo, la plata y el oro estaban de moda y después de que las grandes cantidades de oro bizantino que llegaban a Europa occidental dejaron de llegar, la plata árabe se convirtió en el metal más utilizado para la joyería. Para versiones de joyas más baratas, se utilizó el latón estañado, dorado y plateado.

Fíbula germánica de bronce


Las piedras preciosas eran muy populares. El color era extremadamente importante para los nuevos habitantes de Europa occidental. Los zafiros, las esmeraldas y sobre todo los granates fueron utilizados intensivamente. Los esmaltes también se usaron, sobre todo después de los ejemplos de los maestros bizantinos. Las perlas de oriente, así como perlas de agua dulce de Escocia estaban en gran demanda.

Técnicas y Estilos
El intenso uso de las piedras de colores y el uso de la luz caracterizaron a la joyería germánica. La incrustación de vidrios de colores y piedras con aplicaciones de niello y esmalte causan la atención de todos los ojos. El carácter policromado (poli = muchos, cromo = color) de la joyería germánica se logró generalmente mediante el uso de piedras preciosas, junto a esmaltes. Una manera muy típica de usar el color rojo era producir objetos de oro cubiertos con incrustaciones de granate y cloisonné (separaciones hechas de metal). Se moldeaba una forma básica en oro y luego se trabajaba manualmente para formar un patrón geométrico de células (cloisones) en las que se colocaban pedazos cortados y pulidos de granate. Una superficie reflectante, colocada por la parte de atrás de la piedra, garantizaba su aspecto de rojo brillante.

La técnica había estado en la moda con los godos cuando todavía vivían en el lado del este del Danubio y cuando se movieron hacia el oeste lo introdujeron a otras tribus germánicas que adoptaron este estilo de decoración.
Disco Merovingio,Final de siglo 6  y comienzo del siglo 7
Las piezas de metal a menudo estaban cubiertas de patrones geométricos seguidas de formas abstractas de animales. Estos motivos animales estuvieron en moda durante más de 500 años, entre el año 500 y 1.000 d.C. en las islas británicas, Europa continental y en Escandinavia. El decorar el metal con imágenes de animales cazados y apenas reconocibles fueron hechos también en un estilo similar, en las islas británicas y Escandinavia. Se llamó “Estilo I”

Fibula de fierro, forma de pájaro
La decoración tan densa parece caótica a primera vista, pero una mirada más cercana a menudo revela una perfecta simetría a sus imágenes ocultas. Más tarde, surgió un nuevo estilo, que entró en uso en toda Europa, y se llamó “Estilo II”. Este estilo comprendía un patrón más regular de cuerpos de animales entrelazados y partes de los mismos. Las decoraciones en relieve más alto a menudo se fundían y se decoraban con piezas repujadas, filigranas o granuladas. Este molde requería moldes complicados para ser hechos y las técnicas eran aplicadas especialmente para la joyería de Vikinga que se había desarrollado lejos de las influencias mediterráneas.

Broche penanular


La introducción del cristianismo a las tribus germánicas no cambió mucho los estilos decorativos, a excepción de la aparición de la cruz como motivo popular. 

Debido a la finalización de las tradiciones paganas para los entierros, no son muchos los hallazgos de objetos sobrevivientes, así es que no podemos describir bien la joyería germánica del 8vo y del 9no siglo. El “Niello” se usó en el oro y la plata y las técnicas del esmalte como el  cloisonné eran ya por este tiempo conocidas en Occidente.



Fíbula circular con granate, en cloisones




Tipos de joyas
La joyería germánica tenía a menudo un propósito funcional en vez de ser un objeto puramente decorativo. Los objetos más comunes de la Edad Media temprana fueron los sujetadores (broches) de ropa. Estos broches, de los cuales algunos procedían de fíbulas antiguas, se encuentran en varias formas. Los broches de disco y penanulares eran  lejos los más comunes y se usaban para asegurar las túnicas y las capas en el cuello o en el hombro. Las fíbulas con forma de pájaro eran populares también. Otros elementos como broches, hebillas de cinturón grandes y pequeños para asegurar el calzado, adornos para la suspensión de la espada y la armadura fueron a menudo muy decorados en los estilos de la joyería de la época.

Forma de runa,
Fibula de Nordendorf



Las mujeres usaban anillos, brazaletes y collares, en las excavaciones arqueológicas quedó demostrado que las longitudes de las cuentas de cristal o de ámbar eran llevadas a través del pecho, y suspendidas del vestido. Los aros eran objetos poco comunes en las cajas de joyas de las damas germánicas de la Alta Edad Media.








Escrito por: Alejandro Glade R.





Posición ideal del banco de trabajo

Esté atento a los dolores de espalda y de cintura!
Gira un poco la cabeza y le comienza el dolor de cuello, se levanta de la silla y el dolor persiste. Es un dolor persistente en el cuello y en la parte baja de la espalda. Después de varios años trabajando en el banco de trabajo, los joyeros a menudo desarrollan lesiones en el cuello o en la espalda, transformándose en  un problema crónico.

Los joyeros y orfebres pasarán la mayor parte del tiempo en sus talleres  sentados en sus mesas de trabajo. Por lo que es importante organizar primero los tiempos de trabajo y de descanso, una buena organización en este tema, podría evitarle malos ratos. La silla y la mesa de trabajo mal ajustados no sólo causarán calambres, incomodidad, fatiga y dolor muscular, también reducirán la eficiencia del trabajador, pero lo más importante, es que se pueden transformar en lesiones serias de espalda, piernas o lesión de cuello.

Muchas variedades y estilos de bancos de trabajo están disponibles para la venta, los proveedores de herramientas y equipos de joyería los tienen. La mayoría de los bancos que venden vienen a una altura estándar de 99 cm. a un metro y no son ajustables. Esta talla única de alturas del banco generalmente no se adapta bien a nuestras dimensiones. Los joyeros no somos todos de la misma altura, y la mesa de trabajo se debe ajustar y adaptar de manera adecuada.

Altura de la silla
Para alcanzar la altura adecuada  con el banco de trabajo debemos comenzar primero con la silla. Un joyero debe estar sentado muchas veces en su silla durante más de ocho horas por día, y todos los días, y a veces varias horas más durante la temporada de Navidad. Una silla de calidad diseñada para ser usada  por largos períodos de tiempo y con diseño ergonómico es esencial. Su cuerpo, las extremidades, la columna vertebral y el cuello están directamente  relacionados con la silla en la que se sienta. El dolor asociado con un mal asiento, se puede desarrollar lentamente, casi siempre durante muchos meses o incluso años. Una buena silla le hará recorrer un largo camino previniendo la mayoría de estos problemas.

Cuando tenga que escoger una silla no se deje engañar por el aspecto visual. Por ejemplo, una silla acolchada excesivamente suave puede resultar atractiva. Cuando uno se sienta en ella durante los primeros momentos, se puede sentir muy cómodo. Pero durante una jornada de ocho horas, esta silla no apoya  la espalda, las piernas y la columna vertebral correctamente.

Una vez que haya comprado la silla, deberá ajustarla. La mejor silla del mundo carece de valor si no se puede ajustar o no se ajusta correctamente.

El ajuste de la altura del asiento, cuando se está sentado, la persona debe quedar con los pies apoyados en el suelo, la parte superior de los muslos tienen que quedar totalmente paralelos al suelo. Se debe sentir el asiento de la silla a lo largo de la parte posterior de los muslos. No se debe sentir tanta presión como para cortar o restringir la circulación. El ángulo entre el torso y los muslos no debe ser inferior a 90 grados o superior a 110 grados. Desde esta posición,  lo que viene ahora es ajustar la altura de la mesa de trabajo. NO ajuste la altura de la silla a la mesa de trabajo.

Una silla demasiado alta es incómoda para los joyeros más bajos, y es difícil de alcanzar el pedal que se pulsa con el pie para el flexible. Mucha presión ejercida sobre los muslos, producirá restricción de la circulación en las piernas. Estos detalles con la inadecuada posición de las piernas y los muslos, nos puede llevar a adquirir una lesión crónica de espalda.

Una silla demasiado baja es incómoda para los joyeros más altos. Sus rodillas se elevan demasiado alto, y eliminan el apoyo de sus muslos. Esto provoca la compresión de los órganos de la columna vertebral y la parte inferior del cuerpo. Y uno responde doblando las piernas torpemente, causando fatiga y calambres. Ambos conducen a una lesión crónica de espalda.

Un buen respaldo de la silla es necesario para ayudar a sostener la columna. El respaldo debe apoyar la parte baja y media de la espalda, desde la cintura hasta debajo de los omóplatos. A menos de que ello no dé un apoyo adecuado y restrinja el movimiento. El ajuste del respaldo hacia arriba o hacia abajo debe de dar este apoyo. También, ajuste el respaldo hacia adelante o hacia atrás del asiento y la parte interna de las rodillas. Usted debe sentir el apoyo del respaldo de la silla a lo largo de su espalda. Mientras esté sentado su columna vertebral se apoya, ya sea por un respaldo o por los músculos. Se debe evitar la fatiga muscular y  por ende el dolor de espalda por eso se debe conseguir una silla con un respaldo correctamente ajustado.

El banco de trabajo a la altura
Para calcular una altura adecuada  del banco de trabajo, debe sentarse cómodamente en una silla correctamente ajustada. Siéntese derecho(a) con la espalda apoyada en el respaldo. En esta posición, el eje de la mesa debe quedar totalmente al centro de su esternón. Si no es así, es necesario ajustar la altura de su banco. La compra de la silla adecuada y el ajustarla correctamente no servirá si su banco es demasiado bajo!

Si su banco es demasiado alto, puede cortar las patas en la medida que necesite. Pero debe asegurarse de cortar exactamente la misma cantidad de cada pata para que el banco no quede tambaleándose. Si el banco es demasiado corto, puede pegar un bloque de madera en la parte inferior de cada pata para elevar el banco.

Visera de aumento
Viseras de aumento
Existe muchos visores de aumento disponibles en la industria de la joyería, estas sostienen una placa de lente de aumento y queda directamente en frente de sus ojos. Esto obliga a mirar hacia delante, no hacia abajo a su trabajo. Para ver su trabajo debe inclinarse sobre su trabajo. Esto también lo puede conducir a adquirir dolores de espalda y lesiones en el cuello.

Muchos joyeros se ven aún más complicados con este problema cuando alguien viene a hablar con ellos mientras están trabajando. En lugar de levantar la visera, doblan el cuello hacia atrás y miran por debajo del marco del visor para ver a la persona. Con el tiempo, el joyero desarrolla una lesión del tipo latigazo cervical por una flexión extrema del cuello.

La mejor alternativa es aprender bien a usar la lupa y fijarla más baja frente a los ojos, tales como gafas de lectura

Recurrir al quiropráctico
Por último, cuando ya se está sufriendo por alguna de estas lesiones es conveniente visitar a un  quiropráctico. Tiene que ser uno que trabaje con las lesiones de profesionales y proporcionen un tipo de atención adecuada para el trabajo que usted desarrolla. Con un mantenimiento en el quiropráctico, la espalda comenzará a sentirse mejor y cada vez con menos problemas y usted tendrá menos dolor en el cuello!




Escrito por: Alejandro Glade R.

Anillos desde sus inicios.

Anillo romano de esmeralda
En existencia por más de seis mil años, Los  anillos aparecen en casi todas las culturas del mundo, y están en existencia por más de seis mil años. Además de satisfacer necesidades puramente decorativas, los anillos han servido para una multitud de propósitos, tanto prácticos como simbólicos. Los anillos se han utilizado para comprometer un corazón con otro, para sellar correspondencias y autenticar documentos. Han servido para conmemorar una amistad, para honrar a los muertos y como talismanes para brindar protección contra las fuerzas del mal. Los anillos también han sido utilizados como expresiones simbólicas de la fe o como evidencia tangible del poder y la riqueza. Los anillos de todos los períodos por los que ha pasado el ser humano, han sobrevivido proporcionando una información histórica valiosa, para las culturas, han servido como líneas de tiempo para saber de temas y  materiales usados, como también han proporcionado información sobre el diseño y la historia de la joyería.

Anillo egipcio de doble propósito, un lado con
escarabajo,  otro lado con inscripción



Los antiguos egipcios son conocidos por haber llevado anillos de escarabajo, tallados en una variedad de piedras incluyendo el lapislázuli, amatista, cristal de roca y turquesa, trabajados algunos simplemente con un alambre de plata o de oro. A menudo estaban grabados por el lado plano del escarabajo con jeroglíficos decorativos, símbolos protectores o títulos. Estos anillos también se combinaban para la función de ser usados como anillo sello y de amuleto. 

Durante el período del nuevo reino, (1559-1085 a. de C.) los orfebres egipcios habían progresado en la fundición de todos los anillos y muchos llevaban en el metal impreso el sello real. Estos anillos no sólo sirvieron como símbolos visibles de los rangos y  de poder, sino como medios estampar y autenticar documentos. 

Los egipcios usaban anillos como marcadores o sellos como también para propósitos religiosos y talismánicos, otros, con materiales cuidadosamente trabajados, con bonitas y agradables piedras los diseños son fueron muy evidentes y fueron usados ​​para un propósito de simple decoración.

Anillo intaglio griego, con motivo animal.
Los antiguos griegos y romanos usaban anillos para una variedad bastante grande de propósitos, incluyendo las piezas que eran puramente ornamentales. Los anillos con escarabajos también fueron usados ​​por los griegos como anillos de sello, grabados con motivos de la naturaleza y figuras de la mitología y de la literatura. Las piezas biseladas con joyas preciosas eran de extremada belleza, y los más raros tenían propiedades de talismán, otros eran simples anillos de oro. Los anillos fueron trabajados ricamente con alambres, filigranas e intrincados trabajos de  perforado.

Anillo intaglio de hierro romano
En la Roma primitiva, durante la República Romana, los primeros anillos fueron hechos de hierro y sirvieron como sellos. El derecho de llevar anillos de oro, fue al principio concedido sólo a los senadores y sólo al servir como embajadores de la República. Con el tiempo el derecho a usar anillos de oro fue otorgado a todos los civiles. Durante los últimos años del Imperio Romano, tanto los hombres como las mujeres llegaron a usar pesados ​​anillos de oro con gemas raras y costosas que eran usadas para demostrar riqueza y estatus. Si bien alguna vez fue raro usar más de un anillo, en el primer siglo d.C. cada dedo estaba cargado de múltiples adornos.

Los anillos de boda romanos ofrecían a menudo la imagen de dos manos derechas entrelazadas como simbolismo romano, la mano derecha era considerada sagrada. Este motivo de anillo reaparece en la Edad Media como el anillo de fede (un anillo de intercambio entre parejas). Ya en la época romana se entregaban anillos de compromiso a las futuras esposas. Según los textos antiguos, el anillo de compromiso era usado en el cuarto dedo de la mano izquierda con la creencia de que este dedo tenía una vena, que fluía directamente al corazón. Otro motivo utilizado para los anillos de compromiso es el nudo matrimonial o nudo de Hércules, un diseño simple y simbólico de dos cuerdas entrelazadas.

Sello hecho en piedra cornalina, anillo romano
Quizás el estilo de anillo más asociado con los romanos fue el anillo del sello. Los anillos sello se utilizaron para sellar documentos oficiales, con intaglios de piedras preciosas grabados con frecuencia con el retrato del portador o su dueño. También fueron usados ​​para propósitos puramente decorativos y eran a menudo grandes y adornados. Anillos con aspectos de la vida cotidiana, figuras de dioses y gobernantes, retratos de poetas y filósofos estaban entre los temas populares. 

El amor era otro tema favorecido en los intaglios, aparecían las cabezas de los amantes cara a cara, y fueron utilizados como anillos sello y eran la representación de anillos de la unión.








Escrito por: Alejandro Glade R.