Algunas piedras preciosas se cortan como Cabuchón o Cabujón.

Cabuchón ovalado 
Cabuchón con forma de gota

     En el mundo de las piedras preciosas, un cabuchón es una piedra que se corta con la parte superior altamente pulida, redondeada o convexa sin facetas, con una base plana o ligeramente abovedada. Un cabuchón se puede cortar de cualquier forma, aunque la forma ovalada es mucho más común. El término proviene (del vocablo francés cabochon que a su vez deriva del francés antiguo caboche y éste del latín capuz, que significa “cabeza”). Algunas piedras son casi siempre cortadas en "cabuchón", en estas se incluye el ópalo, la turquesa, el ónix,  la piedra luna y el zafiro estrella. En el mundo de las piedras preciosas a menudo se oye el término cabuchón como  acortado a "cab".


Técnicamente, los cabuchones no están realmente "cortados". Más bien, se moldean y luego se pulen. Es por lo tanto una tarea mucho más simple producir un cabuchón que cortar una gema facetándola con muchas caras. Antes de que se desarrollara el arte del  facetado, todas las piedras preciosas fueron producidas como cabuchones, aunque algunas fueron talladas intrincadamente también.

Cabuchones diferentes y sus efectos.

Piedra Luna o lunar
Las piedras talladas hicieron su aparición en la joyería europea durante los siglos XIII y XIV. Con la llegada de la rueda de corte  que giraba  horizontalmente,  esto fue a finales del  1400, y así fue cómo surgió la posibilidad de diseñar y repetir esquemas de facetas de manera  geométrica, controlando y mejorando así la luz procedente del interior de la piedra. La fascinación por la geometría y la luz reflejada, durante el Renacimiento aceleró el desarrollo de un sofisticado arte llamado lapidación (lapidario). Comenzando por el comercio de piedras preciosas en, Venecia, Florencia y luego en toda Europa, la gestión de la luz se convirtió en el tema central, en el proceso de corte de las piedras preciosas.

Efecto estrella
Efecto estrella
Cuando aparece la tecnología y la habilidad para cortar las piedras preciosas facetadas, todavía se siguió haciendo cabuchones. ¿Por qué los cabujones se seguían produciendo? La pregunta es interesante, y la respuesta es que  las gemas responden de diferente forma ante la luz. En muchos casos la gema tiene propiedades especiales que se muestran sólo cuando se corta la piedra como un cabuchón. Ejemplos son gemas que muestran fenómenos ópticos como el asterismo (el efecto estrella), la locuacidad (el efecto del ojo de gato), la iridiscencia (por ejemplo, el ópalo) o la adularescencia (por ejemplo, la piedra luna).

Zafiro estrellado o estrella.

Ojo de tigre
Piedra Luna
La mayoría de las gemas que son opacas se cortan como cabuchones en lugar de facetarlas. Además, los materiales de baja calidad o de grado inferior, en algunos tipos de piedras preciosas como el zafiro, el rubí y el granate se cortan como cabuchones. Si el material de la gema tiene un color muy bueno pero no es suficientemente transparente o limpio para ser facetado, entonces estas pueden ser moldeadas y pulidas en cabuchones muy atractivos. También es común cortar piedras más blandas como cabuchones, ya que las piedras preciosas con una puntuación de dureza de menos de 7 (en la escala de Mohs) pueden ser fácilmente rayadas por el cuarzo en polvo y la arena. Por eso que los rasguños se muestran mucho menos en un cabuchón que en una piedra tallada.




Escrito por: Alejandro Glade R.






Joyería simbólica


Serpiente, broche victoriano.

Ancla, símbolo de
algún amor marino
A través de la historia, la comunicación, y por lo tanto el simbolismo, ha sido una parte integral de la interacción humana. Los símbolos juegan un papel poderoso en los rituales de expresión y empleamos a miles de ellos cada día. A las representaciones literales de los objetos se les dan nuevos significados para que puedan ser utilizados en transmitir instantáneamente información e ideas. Si la ofuscación es la meta, los símbolos pueden ser disfrazados e imbuidos de significados secretos que sólo lo comparten unos pocos iniciados. Símbolos demostrativos de poder, amor, fuerza, espiritualidad y creencias nos unen y nos proporcionan un lenguaje común que nos otorga una plataforma unificadora. Los cultos, los países, las religiones, los clubes y los rituales se basan en símbolos, algunos imbuidos como talismanes, para unificar, para proteger y vincular a los que creen o pertenecen a su grupo.

El ojo del amante, miniatura pintada y perlas naturales






SIMBOLISMO VICTORIANO
El uso del simbolismo ha sido parte importante del adorno desde que el primer hombre o mujer de las cuevas colgaron una roca tallada con alguna forma alrededor de su cuello por el bien de la belleza. Qué mejor manera de protegerse a sí mismo, y proyectar exteriormente sus creencias y afiliaciones o proyectar fuerza y ​​poder mostrando su símbolo como una pieza de joyería. Ya sea tratando de comunicarse abiertamente o encubiertamente, los símbolos hablan más que las palabras.








Herradura de la suerte
Guarda pelo




Un regalo de joyería representado un acontecimiento de la vida era una tradición victoriana nueva y extremadamente popular, y estas muestras siempre fueron siempre llenas de sentimiento. Los victorianos se obsesionaron por completo con el este lenguaje secreto de joyas simbólicas,  asignando fechas de amor, como regalos de amistad, recuerdos de amantes, amigos y familiares. Gemas y joyas fueron ocupadas ​​como un medio de comunicación discreto, con mensajes elaborados que se envían y se reciben. Las piedras preciosas estaban dispuestas en patrones que, cuando se juntaron las primeras letras de sus nombres, aparecieron mensajes como “ Je t'adore”. Motivos de cada día o rutinarios se les asignó significado, el perro representaba al "servicio fiel", una mariposa y una flor indicada "Estoy resuelto" y la lista continuaba.








La llave del amor



JOYERÍA DEL CORAZÓN
Símbolo de amor,  diamantes
Corazones, que se hizo muy popular en tiempos de Georgia continuó en la joyería victoriana. Hay un lenguaje entero de los símbolos asociados con los corazones pero todos son variaciones en el símbolo más icónico del amor y del romance. Un símbolo de corazón que se hizo popular en la joyería victoriana es el corazón de la bruja, lo que implica que el donante se había convertido en hechizado a caer en amor con el destinatario.

Los colgantes y las broches victorianos ingleses exhibieron una mano que sostiene hacia fuera un corazón como gesto del afecto. Otros estilos de corazón incluyen corazones entrelazados con connotaciones de "amor continuo y eterno" similar al signo del infinito. Los corazones dobles puestos de lado a lado significan dos corazones juntos como uno mientras que los corazones dobles con una corona fueron asociados con la fidelidad que reina sobre un matrimonio. Corazones coronados solo significan "regla de mi corazón. "Un corazón con una llama en la parte superior simboliza la quema con pasión.


Flecha de diamantes, simboliza a cupido




Una flecha que remonta un corazón se refirió a cupido disparar su dardo para hacer que el destinatario se enamore. Y un corazón con un motivo dominante contenía varios significados, tales como "tengo la llave a su corazón" o "usted es la llave a mi corazón." La joyería Victoriana es por esencia romántica, con muchos diseños inspirados amor del corazón.

Relicario para objeto, con tapa de cristal








RELICARIOS
El sentimentalismo y las señales de amor y pérdida de seres queridos son característicos de la joyería victoriana. Relicarios son hechos para los tres diferentes estados de ánimo  en diferentes materiales.

Existía relicarios con compartimentos secretos que podían contener fotos, mensajes o piezas de pelo de un ser querido durante la vida y después de la muerte también adquirían popularidad en esta categoría de joyas. Cuando la reina Victoria entró en luto, los Relicarios diseñados en recuerdo de los seres queridos perdidos se convirtió en el furor de la moda. El simbolismo que reinó en todo el período victoriano incluyó también el significado para las piedras preciosas. Los Relicarios también se adornaban con herraduras de diamante para la suerte,  y las anclas para la esperanza y el hogar seguro durante el amor de paso de los marineros. Los Relicarios también son a menudo usados y grabados con nombres y fechas que representan nacimientos, matrimonios, y muertes.

JOYERÍA FLORAL
Broche 8, simboliza eternidad
Libros y folletos publicados en la época victoriana describen el lenguaje de las flores, ofreciendo significados para una amplia gama de botánicos. Los joyeros usaban motivos florales y foliares para añadir un significado extra a los anillos, collares, broches y colgantes. Los motivos florales principales durante este período se incluían para no olvidar, para el recuerdo y los buenos pensamientos, para “que pensara en mi”. Había tulipanes para las declaraciones de amor, hojas de hiedra para la fidelidad, y flores de naranjo para el amor eterno.
Joyería floral

Había un significado para casi todas las flores. Estas flores elocuentes se añadían a los relicarios, colgantes, anillos y broches. La horticultura era una obsesión particular para los Victorianos, plantas eran buscadas en todos los rincones del mundo para ser traídas a Inglaterra. Esta fascinación por todas las cosas florales y botánicas se tradujo también en diseños de joyería repletos de detalles complejos, manuales fueron hechos para que se supiera el significado detrás de cada elección de algún diseño en particular. Eran creaciones de gran refinación en la que las representaciones eran increíblemente realistas con cada tipo de flor, fruta, planta, hoja e insecto.

JOYERÍA DE SERPIENTE
Los motivos de serpiente son uno de los primeros símbolos mitológicos históricos y mitológicos que han tenido importancia en casi todas las culturas del mundo. Desde Adán y Eva hasta Cleopatra, las serpientes se han asociado con diversos significados del bien al mal. En 1839, el príncipe Alberto se propuso en compromiso  a la reina Victoria con un anillo de serpiente que significaba eterno amor y para toda la eternidad con una esmeralda, su piedra de nacimiento, centrada en su cabeza, por este hecho, este anillo se convirtió en uno de los más emblemáticos motivos victorianos de la joyería. El anillo de la reina Victoria marcó una tendencia en toda Inglaterra, y eventualmente en toda Europa, apareciendo una variedad de anillos de serpiente, y collares flexibles de estilo bobina y también pulseras con cabezas rellenas de gemas, así como broches de serpiente, puños, brazaletes y colgantes que incluían serpientes. El motivo de las serpientes continuó también durante el período Art Nouveau,  llegó a tanto que se convirtió en un motivo importante para casas de renombre como Bulgari a mediados del siglo XX. Hoy en día, siguen siéndolo  y pareciera ser un símbolo que nunca se perderá.

Estas intrigantes criaturas y las seductoras piezas inspiradas por las serpientes a través de los siglos, representan una serie de significados en diferentes países y civilizaciones.

Para los faraones de Egipto, las serpientes representaban la realeza y la deidad y las usaban como colgantes sagrados alrededor de sus cuellos. Los romanos tenían diferentes interpretaciones que iban desde el amor eterno a un símbolo de sabiduría. Los griegos también miraron a la serpiente como un símbolo de sabiduría, ya Esculapio, el dios de la medicina, tenía una serpiente envuelta alrededor bastón, motivo que sigue siendo el símbolo de la profesión médica. Los hindúes, los hebreos, los africanos y los nativos americanos han dotado a la criatura furtiva con varios significados, que van desde el renacimiento, las transformaciones, la sexualidad y el deseo.





Escrito por: Alejandro Glade R.







Las marcas de fabricante.


Marcas de fabricantes

Las marcas del fabricante son las iniciales o el nombre de la empresa manufacturera u otro símbolo representativo estampado en un artículo de oro, plata, platino u oro blanco. También se denominan como  "Marcas comerciales", que a menudo proporcionan la única evidencia de que una cierta pieza de joyería de hecho ha sido fabricada por un fabricante de joyería. Cuando tales marcas están presentes, el artículo de joyería se dice que está  "firmado" por el fabricante o el artista, puede ser una empresa o una persona. En algunos países, Italia, por ejemplo, las marcas de los fabricantes oficiales son asignadas a orfebres registrados y su uso es supervisado por un organismo como la Cámara de Comercio.

A veces las marcas de un fabricante de orfebrería evolucionan mucho con el tiempo y si se necesita saber sobre esa marca, tenemos que recurrir a un historiador o tasador de joyas que pueda datar con precisión el artículo.


Marcas Tiffany








En Francia, históricamente, la Administración de la Garantía almacenaba placas de cobre con las  marcas del fabricante, estas estaban estampadas (por ley) creando por ese tiempo un registro de marcas. En algún momento todas estas estampaciones fueron destruidas, dejándonos sin esta valiosa referencia histórica.



Marca Bvlgari







La Antique Jewelry  University es una organización en línea formada por académicos, educadores, profesionales de la joyería y personas interesadas de todo el mundo que comparten una pasión por joyas de antigüedades y joyas vintage, que tiene una extensa base de datos de marcas de fabricantes a la que se van añadiendo nuevas marcas cada semana.





Marca Bvlgari

Usted puede ayudar a construir esta base de datos mediante el envío de imágenes e información a...
info@antiquejewelryuniversity.com o por la publicación de la página de facebook. Si desea ayudar de forma regular, puede utilizar la misma dirección de correo electrónico para solicitar una cuenta. Es importante que todo buen artesano y joyero envíe sus datos a este registro ya que no en todos los países esto es controlado, esta es una buena solución para los países o orfebres y joyeros que no cuentan con un registro para las joyas que fabrican.










Escrito por Alejandro Glade R.









El renacer de joyas pasadas.


Collar con colgante de esmeralda
y perlas naturales 
Las joyas del siglo XIX consistieron predominantemente en adaptaciones de estilos de joyería de épocas anteriores. Esto ocurre, de volver al pasado en el diseño de la joyería por la falta de inspiración. Visto y analizado, ahora sabemos que este retorno al pasado nació de un deseo por   renovar los sentimientos del orgullo nacional. Estas joyas reflejaban períodos de logros nacionales y propios que simbolizaban todo lo que fue grande en la historia de la civilización europea. Nacieron dos estilos importantes; el Renacimiento gótico (o medieval) y el renacimiento del mismo renacimiento.

En toda Europa las fiestas de disfraces se habían convertido en una forma popular de entretenimiento, y no se ahorraba en nada para estos eventos suntuosos. Los trajes fueron copiados meticulosamente de los retratos históricos relevantes y las piezas de joyería también además de todo tipo de accesorios. Una gran cantidad de retratos de los Tudor y del período de los Stuardos fueron exhibidos en el museo de Kensington del sur, lo que inspiró a los joyeros que trabajaban en los estilos del renacimiento. Algunas de estas joyas volvieron a adquirir una popularidad propia. La ferronnière por ejemplo, moda histórica arrancada del pasado y llevada audazmente por unos 20 años mas en el futuro.

Joyas del artista alemán Hans Holbein el más joven (1497 – 1543), que incluyen joyas como colgantes, broches y pendientes en el estilo renacentista. El estilo se caracteriza por las grandes piedras colocadas en el centro , un camafeo o un intaglio montado en oro más un colorido esmalte, como la basse-taille (diseño realizado en metal mediante talla, grabado , estampado) , champlevé (es un proceso de esmalte donde la superficie a esmaltar es tallada, grabada, estampada o grabada con un diseño previo al esmaltado) , cloisonné (es una técnica de esmalte donde el esmalte va encerrado en celdillas de alambre fino). Todas estas técnicas del pasado fueron re inspiradas en nuevas obras como la técnica llamada
Holbeinesque.

Holbeinesque, pulsera gótica de hierro, del artista Geiss.
El orgullo nacional en muchos países europeos estimuló un movimiento romántico que invadió a toda Europa. El retorno de los motivos góticos en todas las áreas del diseño apareció en todas partes, trayendo consigo una nostalgia por la estética de la Edad Media y el Renacimiento. Cada país acogió esta nostalgia por diferentes razones. En Alemania el retorno al estilo gótico fue utilizado para unificar a sus ciudadanos contra un enemigo común que era Francia. Durante la guerra franco-prusiana la joyería del hierro fue distribuida a los patriotas que entregaban sus joyas de oro para ayudar a los fondos de guerra. Esta aplicación del hierro en la post guerra en sus diseños góticos, ahora es conocida como la antigua joyería del hierro de Berlín.

Los diseños góticos siguieron siendo dominantes en Alemania, pero una mirada al renacimiento también comenzó a aparecer alrededor del año 1850,  moda que fue ganando lentamente popularidad.

Alemania era conocida por sus fuertes gremios artesanales donde estudiaban aprendices para convertirse en orfebres. Comúnmente como obra maestra de la graduación, para completar el aprendizaje y convertirse en un orfebre completo debían copiar algún trabajo de algún joyero del  Renacimiento, y además servía para impulsar la estética a futuro.

Mercurio, colgante tipo camafeo, estilo
renacentista con esmalte y perlas,
 artista Froment-Meurice 1870.
La moda para la joyería gótica en Francia, fue fijada por la corte. La arquitectura gótica, fue restaurada a lo largo de París en ese entonces, y era el modelo para la joyería gótica a la que se le  refería como “romantique”. En 1830 el Museo de Louvre, estaba en posesión de importantes colecciones de objetos medievales y en 1844 se inauguró el Museo de Cluny, conocido también como "el mayor monumento a la Edad Media". Estos modelos exhibidos, proporcionaron todos los modelos que se necesitaban para rehacer el estilo gótico tan popular. Además, el régimen de Napoleón III, durante el Segundo Imperio se basó fuertemente en el Renacimiento como símbolo de la gloria pasada de Francia. El esmalte pintado, evocaba el estilo Fontainebleu de Enrique II.

Los escultores también desempeñaron un papel importante en el diseño de la joyería francesa del siglo XIX. Contribuyeron con modelos y diseños figurativos esculturales tridimensionales. Uno de los principales joyeros de esta tradición fue François-Désiré Froment-Meurice. Empleando escultores, modeladores, esmaltadores, orfebres y otros en su tienda, lo que lo llevó a hacer joyas románticas de estilo sin precedentes. Su trabajo en la Exposición Universal, celebrada en 1851 en Londres, le valió una Medalla del Concilio por sus patinados dibujos figurativos franceses de plata histórica.

Holbeinesque Victoriano




En los años 1870 y 1880 una serie de diseños de joyas del siglo XVI y grabados ornamentales fueron reeditados, proporcionando una inspiración para las joyas neo-renacentistas francesas. Desde la década de 1860 hubo un resurgimiento de las técnicas de esmalte pintado. Los esmaltes de colores brillantes comenzaron a utilizarse por capas creando un aspecto único a este estilo romántico.



Broche Holbeinesque con intaglio,
esmeraldas y esmalte en oro


En la Gran Bretaña la joyería gótica fue rehecha directamente desde álbumes de tracería gótica (formada por combinaciones de figuras geométricas). Esto estaba en posesión de los joyeros prominentes, Rundell, Bridge & Rundell. Gran Bretaña, sin embargo, nunca adoptó el estilo gótico como un estilo nacional. La joyería gótica del renacimiento vino vinculada tentativamente al catolicismo y era por lo tanto resistente a ser abrumadoramente usada. Más populares eran los diseños evocadores del estilo del renacimiento o de los Tudor.



El artista Holbein, reivindicado tanto por los alemanes como por los británicos, fue una inspiración en la joyería alemana alt-deutsch producida y anunciada como "Holbein Schmucksachen".

Devonshire parure,
consta de ochenta y ocho gemas antiguas
de la colección del duque de Devonshire,
la obra se le atrubuye a Hancock 1855



En ese tiempo Alemania era conocida por sus fuertes gremios artesanales donde aprendices entrenados para convertirse en orfebres. Comúnmente una obra maestra de graduación se requiría, y para completar el aprendizaje y convertirse en un orfebre completo debían copiar un trabajo de los joyeros del Renacimiento, esto también sirvió para impulsar la estética de esta etapa en delante.

En 1856 se le encargó a la Condesa de Granville, una importante colección de joyas para que la llevase mientras acompañaba a su marido, el Embajador Extraordinario y representante de la Reina Victoria, en la coronación del Zar Alejandro II en Moscú. Esta colección se conoce como "Devonshire Parure" y se compone de siete adornos que incluyen una corona, diadema , bandeau (Un bandeau es una diadema ornamental o un tipo de tiara) , peine , collar , stomacher (Un stomacher es un gran ornamento de corpiño triangular que se extiende desde el nivel del pecho hasta la cintura) y pulsera que fueron creados de oro esmaltado y diseñado para explotar una colección de ochenta y ocho camafeos y Intaglios de la colección del tercer duque de Devonshire. El parure se cree que es la primera pieza hecha en el estilo Holbeinesque. Después de lograr su propósito primario, el parure fue exhibido a través de toda Inglaterra, terminando en la exposición internacional de 1872. Todavía existe en su totalidad y se exhibe en la casa recientemente renovada de Chatsworth, hogar del duque y de la duquesa de Devonshire.

Obra de Giuliano, collar con esmalte granate,
y perlas naturales, 1870
John Brogden y Carlo Giuliano fueron dos de los joyeros más prominentes que trabajaron  en el estilo Holbeinesque y sus joyas se pueden encontrar en las firmas destacadas de Howell y James, Harry Emanuel y Phillips y Hancock. Las joyas de figuras francesas fueron otra fuente de inspiración. No fue hasta las Exposiciones Internacionales que este renacimiento de las joyas de renacimiento gótico fue ampliamente visto por el público, y posiblemente incluso por otros joyeros. Los catálogos ilustrados se convirtieron en libros de modelos, útiles como referencia e inspiración de diseño. El museo de South Kensington compró regularmente artículos de joyería de diversos proveedores, entre ellos François-Désiré Froment-Meurice que trabajaron en el estilo renacentista francés y los puso en exhibición al público. El museo hizo varias adquisiciones en la Exposición de París de 1855 que sin duda sirvió de inspiración a todos los que la visitaron.


A finales de la década de 1880, y para disgusto de los alemanes, las joyas renacimiento ya no son comercializables. Las modas habían cambiado y estas pesadas joyas ya no funcionaban estilísticamente. En Inglaterra la joyería con el estilo del renacimiento siguió siendo hecha, principalmente por Giuliano en el año 1890. En Francia el estilo comenzó a transformarse en el precursor del Art Nouveau en la parte posterior de la década de 1880.

Pulsera renacentista de plata y esmalte




Escrito por: Alejandro Glade R.







La ciudad de Micenas, la ciudad del oro.


Ágora de Atenas
Tumba de Atreo
Micenas fue llamada por Homero como “La ciudad en donde abunda el oro”. Hojas de oro hechas dentro de su ciudad amurallada constituyen, incluso en nuestros días, tesoros de una extraordinaria belleza y riqueza. Las tumbas situadas bajo el Agora Ateniense (centro de la actividad política, administrativa, comercial y social de la antigua Atenas), contenían cuerpos casi enteramente revestidos de oro en láminas o planchas, como también rodeados de joyas. Sobre sus rostros, les eran puestas máscaras repujadas, con los rasgos del difunto; las frentes iban ceñidas por coronas, y el resto de los cuerpos desaparecía bajo las corazas, el enjoya-miento y los ornamentos. 

Normalmente estos objetos eran de confección tosca y de poca depuración,  pero las piezas de joyería encontradas en el tesoro de la tumba de Atreo, que estaba compuesto por millares de vasos, diademas, pulseras, collares, y aros eran piezas trabajadas con asombrosa dedicación y arte. La tumba de Atreo, es una construcción descubierta por el arqueólogo alemán Schliemann a finales del XIX, mal atribuida al rey Atreo, hoy, sabemos que fue construida en torno al 1250-1220 a. C. durante el periodo del rey Agamenón.

330 - 300 a. C.

200 a.C.

Es  muy posible suponer que todas estas piezas y objetos de arte se remontaran a los tiempos homéricos de la guerra de Troya, mientras que los cubiletes de oro (vaso pequeño de metal, más ancho en su boca que en su base, que servía para diversos propósitos) encontrados en Vaphio (Laconia) seguramente son posteriores. Los bajorrelieves que los decoran muestran en ellos la captura de toros salvajes, y en otros el desuello. Son obras de un arte considerado perfecto, desde el punto de vista de la observación y de la composición con respecto a la escultura y a la orfebrería.

300 - 200 a.C.






Las piezas de orfebrería de esa gran época llegada hasta nosotros son extremadamente raras, ha sido muy difícil por sus descubridores y arqueólogos  saber cuáles fueron realizadas en Roma por los griegos, ya que la influencia de este arte está manifiesta en casi todas las piezas. Pensado de esta manera, se puede atribuir a este arte orfebrístico, a la colosal estatua de Atenea que Fidias (450-400 a.C.) ejecutó para el Partenón. La diosa, de unos doce metros de estatura estaba de pie, con casco, una lanza y un escudo en la mano izquierda, y en la derecha llevaba una pequeña victoria con una corona en una mano. Las carnes eran de marfil, los ojos de piedras preciosas, los ropajes y las armas de plata y de oro de diferentes colores.

Estatua de Atenea de Fidias







Descripción de la estatua por el historiador y geógrafo antiguo Pausanias: ...La estatua en sí está hecha de marfil y oro. En el centro de su casco hay una figura parecida a la Esfinge... y a cada lado del yelmo hay grifos en relieve. ... La estatua de Atenea es de pie, con una túnica hasta los pies, y sobre su pecho la cabeza de Medusa está tallada en marfil. Sostiene una Victoria de aproximadamente cuatro codos y en la otra mano una lanza; a sus pies yace un escudo y cerca de la lanza hay una serpiente. Esta serpiente podría ser Erictonio (hijo de Hefesto). Sobre el pedestal está el nacimiento de Pandora (mujer hecha por Hefesto) en relieve.

200 a.C.




El aspecto general de la diosa Atenea de Fidias, puede verse a partir de su imagen en monedas​ y sus reproducciones en miniaturas esculpidas, como objetos votivos, y en las representaciones sobre gemas grabadas. ​





Escrito por: Alejandro Glade R.




Anillos de Poesía.

"Bien para quien sabe en quién puede confiar"
Los anillos de Poesía o Posy, fueron populares durante los siglos XV al XVII en Inglaterra y Francia, pero tuvieron su cúspide durante el siglo XVII y XVIII, transformándose en un anillo tipo argolla de oro, de diseño muy simple y otros no tanto, por lo general estos anillos o argollas estaban interna o externamente rodeados con grabados de versos, y  poesías como "No olvido quien me ama" o "Una esposa amorosa una vida feliz". Estos fueron dados como expresiones de amor, saludos y otros sentimientos. 

"Lealtad no miedo" siglo XVII
Anillos Posy, tempranamente escritos en francés normando, simple francés, el latín y el inglés fueron usados ​​en épocas posteriores.

Anillos Posy
Estos temas, conocidos como Posy o pequeños poemas, eran por lo general en francés, durante siglos el lenguaje universal del amor fue el francés, en un principio eran en escritura lombarda marcadas en letras negras hasta el siglo XV. Otros ejemplos de anillos de Poesía decían así: “Tienes mi corazón”;  “Mi corazón te pertenece”; “La fortuna lo desea”; “Nada tan bueno”; y  “Lleve esto para mí”. Las palabras, estaban grabadas en algunos casos por el exterior de la argolla y se decía eran un jardín de amor, porque algunas veces se entremezclaban con hojas esmaltadas, pensamientos, o rosas calentadas por los rayos del sol. Mientras que la mayoría de los anillos se ajustaban a patrones estándares y se repetían las mismas inscripciones, de vez en cuando se puede encontrar algún diseño que sobrevive.

"Mira pero recuerda "   Siglo XVII a XVIII.
Se cree que estos anillos Posy  o de poesía estaban destinados a aquellas personas más cultas que conocían la literatura de la época, y que no sólo podían leer las escrituras en letras lombardas y negras, sino que también sabían francés.

Anillo Poesía con trabajo especial 

"Tu vista es mi delicia"


Fueron dados para mostrar respeto o como un regalo. Pero también se acostumbraba como símbolos del amor durante el siglo XV, y se convirtieron en alianzas o anillos de matrimonio o de boda de oro, durante los siglos XVII y XVIII, los antiguos joyeros y orfebres los fabricaban en gran cantidad para clientes que buscaban la opción Posy y lo romántico como la poesía.




Escrito por: Alejandro Glade R.



¿Sabe usted que es un Parure?


Un Parure, es una palabra francesa que consiste en una combinación de un juego de collar, aros, broche, pulsera  y los más completos llevaban una diadema o tiara. Una variación de estos juegos de joyas era el demiparure que consistía en algunas partes del juego, tales como aros collar o un broche. Por lo general, un “Parure” podía contener sólo tres piezas, el collar, aros, y una pulsera o broche o una combinación de ellos. Los más completos que se pusieron a la venta  en tiempos pasados, eran juegos que contenían hasta siete piezas.


Las pulseras eran curiosas porque se podían llevar de a pares, y ambas eran iguales, se llevaban una en cada muñeca, y cuando era necesario se podían juntar formar un collar, que pasaba a ser una gargantilla usable, esto hacía que fueran piezas prácticas de joyería. La intercambiabilidad de los componentes eran importantes en un Parure.


Los “Parures” se hicieron populares en el siglo XVII en Europa, el aumento de la popularidad en el siglo XVIII se debió a los muchos regalos que hizo Napoleón a Josefina y a Marie-Louise. Uno de estos famosos parures de zafiros y diamantes que Napoleón dio a Josephine está en el museo de Louvre en Paris.


Más recientemente, el antiguo término demi-parure se ha popularizado en los círculos de joyería con trajes vintage, los que incluyen un collar con aros como juego de estos trajes.

Para entender mejor el término Parure y por qué fueron tan importantes para las mujeres de antaño.


Contiene cuatro piezas; El collar, los aros y el broche como colgante a juego. Foto de la derecha, parure de granates.

Lo bueno de este conjunto es que todos los enlaces del collar son ligeramente diferentes unos de
otros.
Detalle de collar,
 Parure de granate,
(pinche para ampliar)


Se ajusta al aspecto "intercambiable" porque el colgante puede ser unido a la parte central del collar; Usado como un colgante central en una cadena, o también puede ser llevado como broche.









Aros
Broche

Los parures las mujeres que tenían las mujeres hicieron aumentar la joyería de la época. Todos estos conjuntos eran el pilar básico de los armarios de una dama. Estos estaban destinados a ser usados ​​juntos para ocasiones formales o como piezas separadas. También podían ser usados ​​en tantas combinaciones como las piezas lo permitieran. El ingenio de los joyeros que los fabricaban era asombroso, soluciones exquisitas y envidiables hasta el día de hoy  ¡En otras palabras, un solo parure podía vestir y adornar por completo a una dama!


¿De cuántas maneras diferentes se podían usar las piezas en un parure? Lo máximo fueron  41 maneras diferentes!  Por eso se decía que era el pilar básico en los armarios de las damas!

Parure de Reina Desideria Clary - (1777 - 1860)

Presentación en su caja de Parure.
(Arriba) - Parure de oro de Reina Desideria Clary, reina consorte de Suecia y Noruega. 

Descripción de los camafeos del collar de malaquita tallada, representan a Asclepius (dios de la medicina) ya Hygeia (su hija, diosa de la salud), Hércules (héroe griego antiguo) y Hebe (hija de Zeus y Hera que se convierte en la esposa de Hércules). El cameo central de la tiara simboliza el día, mientras que la piedra central del broche representa la noche, y así sucesivamente.



Parure de Zafiro, de la reina
María Amelia 



María Amelia de Borbón, 1842. Reina consorte de Luis Felipe, Rey de los franceses.










Escrito por: Alejandro Glade R.